humorable | Обещанное. 4.

продолжение

начало в:

http://humorable.livejournal.com/207438.html
http://humorable.livejournal.com/207703.html
http://humorable.livejournal.com/207907.html

Эпоха Возрождения в музыке начинается позже, чем в изобразительных искусствах. Некоторые вещи действительно пытались "возродить", но все-таки еще раз скажу: развитие музыки было эсктенсивным.

Пожалуй, главным достижением этого периода является сближение музыки светской и духовной.

В эпоху Возрождения теоретики музыки все спорили и продолжали делить музыку на разные виды и подвиды.

Но - как происходило постепенное слияние музыки светской и церковной, так же и в представлениях о гармонии появилось понятие "разнообразия вещей, взятых вместе и друг другу противоположных".

"Но для Амура обе ко двору:

Как не любить красу — для наслажденья

И добродетель — чтоб служить добру?"

Теоретики Ренессанса - Тинкторис, Винченцо Галилеи ( отец знаменитого), Глареан и самый известный - Джозеффо Царлино.

Продолжая делить музыку на небесную и земную, они приходят к гармоничному объединению:

«Если мир творца создан полным гармонии, может ли наша душа не быть причиной в нас всякой гармонии, в особенности, когда бог создал человека по подобию мира большего, который греки называли космосом, т. е. «украшение» или «украшенное», и когда он создал подобие меньшего масштаба, в отличие от того названного микрокосмосом, т. е. маленький мир,— ясно, что такое предположение не лишено основания. Следовательно, действительно верно, что нет ни одной хорошей вещи, не имеющей музыкального построения...» («Instituzione harmoniche», I, 1)

Единство малого и великого в естественно-гармонической вселенной - идеал для художника.

Особенно если свои собственные, пагубные по отдельности страсти он тоже сочетает таким образом, что в совокупности они нейтрализуют друг друга, образуя золотую середину.

"...раз страсти, преобладающие в нашем теле, благодаря упомянутым качествам подобны телосложению (если можно так выразиться) гармоний, то мы легко можем узнать, каким образом гармонии могут влиять на души и располагать их к различным страстям, так как, если кто-нибудь подвержен какой-нибудь страсти и он слышит гармонию, сходную с ней в соотношениях, эта страсть увеличивается; причина этого — сходство, которое для всякого, как говорит Боэций, приятно, тогда как различие ему противно и ненавистно; если же он слышит гармонию, в соотношениях различную, эта страсть уменьшается и появляется ей противоположная. Тогда говорят, что такая гармония очищает от страсти того, кто ее слышит, через разложение страсти, а потом через рождение новой, ей противоположной."

Вот здесь я замечаю, что не сказала очень важного.

Светская музыка, выскользнув из рук бродяг и нищих , облагораживается, переходя в сферу профессиональной инструментальной и вокальной музыки - как это бывает с разными попсовыми жанрами .

Музыка церковная развивается в сторону полифонического многоголосия - подробнее потом.

И получается, что из разделения философски-номинального вытекает два вида многоголосия: основные для европейской музыки.

Первое - гомофонно-гармоническое ( так и тянет сказать "гомофобноe"). Это род музыки, в которой присутствует мелодия - неважно, исполняют ли ее на каком-то инструменте, или поют - и сопровождение, в виде аккордов, или пассажей. Сопровождение образует гармоническую поддержку, наполнение, но самостоятельно не особенно интересно для слушателя.

Второе - полифоническое. В данном случае каждый "голос" - самодостаточная мелодия, одновременно из сочетания таких мелодий образуется вертикаль, аккорд.

(Напомню факт очевидный: с 1450-го года развивается книгопечатание, что позволяет быстрее и точнее распространить любое знание, а в том числе, и ноты)

Светская музыка, как мы знаем,,выросла из песен и танцев.

Танцы к этому времени утрачивают меняют свое утилитарное назначение и теперь являются жанрами.

Аллеманда, куранта, сарабанде и жига - это "танцы народов мира", каждый из которых обладает своим характером и правилами.

Услышав энергичный размер 6/8 , предлагающий быстрое движение, народ радостно кивает: это жига, танец английских матросов!

И так далее.

Тут интересны и значительны два момента:

1. Mежнациональная интеграция. Интереcно бы спросить у историка о западно-европейских тенденциях объединения того времени.

2. Тенденция к укрупнению форм.

Танцы объединяют в циклы. Это общая для всех входящих пьес тональность, и настроение.

Циклы называют с тех пор сюитами - эта форма оказалась очень удобной и популярна у композиторов по сей день.

И классические симфония и соната взяли за основу четыре части, и противоположность характеров вышеописанных танцев.

Помимо форм стремительно развивался инструментарий. Это время экспериментов со струнными, духовыми и ударными.

И опять же , благодаря новым возможностям техника игры становится виртуозной .

Церковная музыка же остается вокальной, но многоголосие развивается в очень сложную систему, с правилами строгого многолосия. Музыка эта читается глазами с неменьшим удовольствием, чем слушается.

Мелодия голоса, которую незывают "темой" подвергается изощреннейшим мутациям - она звучит по очереди в разных голосах, раз - в увеличении, т.е. в два раза медленнее, другой раз - в уменьшении, т.е., в два раза быстрее, третий раз - от конца к началу, пятясь (эта техника называется приятным словом "ракоход".)

Максимальное количество голосов доходит в до тридцати шести - я имею в виду разные голоса, разные мелодии.

Правила написания полифонии эпохи Ренессанса называются "строгим стилем".

Благодаря многочисленным правилам, основанных на недопущении диссонансов в интервалax между голосами, вся вертикаль - т.е., многояруcный аккорд, образуемый голосами - звучит приятно для слуха. По сути дела, это многоэтажная архитектура, где каждый уровень образует самостоятельный комплекс, эстетически безупречный.

Cкладывается и вершина полифонической формы - фуга.
Сюиты, о которых я говорила выше, внесли в классические формы структуру цикла и разнообразие характера.

Фуга же - принципы развития тематического материала - как это происходит в сонате.

Hо окончательно она сформируется позже.

Хоралы, мотеты, каноны, - все это разные жанры духовных песнопений. На тексты псалмов и молитв.

Но тенденция к укрупнению здесь тоже наблюдается. И столп объединения, видный издалека, как обелиск - это месса.

Это значит, что закрепляется традиция: с тех пор и до наших дней - конечно, с изменениями, дополнениями и вариациями - определенные молитвы должны исполняться хором.

Cyrie Eleison, Gloria, Credo и пр.

Первая авторская месса на полный текст ординария была написана Гийомом де Машо — Месса Нотр-Дам — ок. 1350 года.

Орган в церковную музыку входит постепенно, как признак свободы.

"Сей инструмент [орган] единственный, которым пользуется церковь при различных песнопениях, прозе, секвенциях, гимнах; излишества гистрионов побудили отбросить употребление прочих инструментов.

Церковный собор в Байе.1300"

Но все же большинство музыки месс исполняется a capella.

Мы упоминали о "национальном" - робко и часто символически возникает определение национальной школы.

Но со временем, даже в "абстрагированной" полифонии строгого стиля, казалось бы, подчиненной общеевропейским законам, различия усиливаются.

И, конечно - фактор, без которого Ренессанс - не Ренессанс.
Личность, Индивидуальность, Гений.

( по определению Глареанa - гений обязан сочетать знание и вдохновение, причем вдохновение требуется для мелодии, а знания - для контрапункта)

Самые известные композиторы Ренессанса - как Бах и Гендель, чьи имена нельзя "произносить на одном дыхании" - и тем не менее, очень часто, по традиции, сопоставляемые - это Орландо Лассо и Джованни Пьерлуиджи ди Палестрина.

Они не отличаются друг от друга так сильно, как Рафаэль от Босха, но представляют наиболее ярко два разных подхода к жизни и музыке

Лассо старше Палестрины на шесть лет, а умерли они в тот же год, с разницей в несколько месяцев.

Биографии также напоминают Баха и Генделя.

Орландо Лассо путешествовал, как настоящий безродный космополит, по разных странам и дворам. И любили его безмерно. Поэтому и имя его имеет несколько вариантов произношения: фламадский, итальянский, французский и т.д.

Похоронен был в Мюнхене, с прекрасными эпитафиями. Назван в том числе и "бельгийским Орфеем".

Cначала я сокрушалась: в Мюнхене была, а Цветы на могилку Лассо не положила.

Но потом перестала. Ниже объясню, почему.

Палестрина же, рожденный "близ"( как нас учили красиво выражаться) Рима, в городке того же названия, всю жизнь прожил в Риме, работая органистом, капельмейстером, и музыкальным директором в Соборе Святого Петра, а затем и в Ватикане.

В отличие от Баха и Генделя они все же встретились в Риме, хотя утверждение это не бесспорно.

Орландо Лассо ко времени этой встречи был международной мега-звездой, Палестрина - молодым, подающим надежды.

Правда, надежды были таковы, что его приняли на работу в обход требований: не то, что не монах, а вообще, женатый и с детьми.

Стиль Палестрины - прозрачность, эмоциональная высота, соразмерность в сочетании с высочайшей техникой полифонического письма - стал идеалом церковной музыки a capella. Образ классической христианской храмовой музыки с тех пор не менялся.
И в православной музыке, начиная с 18-го века - тоже.

Так я считаю.

Палестрина похоронен в Соборе Св. Петра, но надгробье утеряно - так же, как и Лассо.
(Поэтому я перестала расстраиваться, что не принесла цветов.)

Для иллюстрации я приготовила последнюю часть "Мессы папы Марчелла" - Agnus Dei.

По легенде, эта месса сочинена Палестриной для того, чтобы на Тридентском соборе кардиналы не забанили полифонию, как скучную и непонятную.

Исследователи этот факт отрицают.И тем не менее.

Kак при взгляде на ажурный готический собор ты поражаешься легкости, с которой он летит в небо, и только на крыше видишь, как массивен каждый цветочек и шишечка - крабб, как прочны соединения, и как каждый барельеф в выемке ограды уникален и сам по себе значим...

Taк и в музыке Палестрины ты паришь в невесомых и хрупких созвучиях, меж тем, как в партитуре сплетаются и расходятся линии, расположенные строго по законам, взаимодействующие, как лестницы, арки и перекрытия.

Я специально выбрала запись с партитурой. Не обязательно знать нотную грамоту, чтобы увидеть линии и вазимоотношения между ними.

Орландо Лассо писал все ( советую заглянуть и пройтись по странице до конца - нечасто такое встретишь). Для тех, кто был рядом.

Bо Франции - шансон ( на стихи Ронсара, Дю Белле и Вийoна в т.ч) , в Италии - мадригалы ( на стихи Петрарки, Тассо и Ариосто) , виланнелы и мореcки.

В германии - лидер.

Музыку духовную и светскую, низкую и высокую.

Я, как человек ветреный, люблю его чувство юмора и иронию.

Лассо впитывает в себя окружающее, как сатирик-документалист : крики уличных торговцев, ссоры соседок, монашеские обиходные песни.
Kak другие, известные нам всем фламандцы, не являющиеся музыкантами.

Вот, например, вилланнелa "Matona mia cara".

Изящно, симпатично и т.д.

Но что же такое "матона"?

Это "мадонна" из уст германского ландкснехта.

Если свободно перевести текст на русский (перевод на английский есть в аннотации к ролику), то было бы нечто вроде:

- Касспажа моя, ти прелесст!

И далее воздыхатель обязуется "люпитть фся ноччь, какк пыкк", и т.д.

А вот это, пожалуй, самое популярное произведение Лассо, которое любят исполнять хоровые коллектовы - "Эхо".

Ну, как изобразили бы вы эхо?

Просто: хор делится надвое. Одни начинают - другие отвечают. Но Лассо включил также технику канона - второй хор начинает ту же мелодию с опозданием, и эффект эхо получается более естественным: повторяются только концы фраз.

На встрече мы с Женей выучили песню Дауленда "White As Lilies Was Her Face", с последующей джазовой обработкой. Но этот момент, к сожалению, не вошел в анналы.

перерыв

Flat | Top-Level Comments Only

From:

navi03.livejournal.com

Отличная лекция, Саша.
Слушаешь на дном дыхании, и не успеваешь опомниться, а уже перерыв.
И теперь жду продолжения.
Что-то ещё с прошлого раза собиралась спросить... но потом отвлекалась и забыла.
Сейчас перечитаю и вспомню вопросы.

From:

между телом и душой

Обещанное. 4.

Page Summary

Style Credit

Expand Cut Tags